@Tangente’s dance program VIRTUALLY, IN THE FLESH in Montreal）レビュー
１）Sors-tu? CA/CRITIQUE PUBLIE´ 2017年5月1日
“RE´SONANCES VIRTUELLES | VISIONS FUTURISTES DE L’HUMANITE´ CHEZ TANGENTE” Me´lanie Vibrac 氏評
TranSensesとその宇宙、私たちの宇宙？ 先行上演のパフォーマンスでは、破茶滅茶だが面白い時間を過ごせた。続く作品ではLucy M. Mayが廊下に現れ、Wilderのカフェバーを通っていった。そして、次に上演された北村明子とNavid NavabによるTranSensesでは、「宇宙と対話する身体のメタフィジカルな旅」（プログラムから引用）に出た。 作品は一人のダンサーが電子音響に反応して胸を動かすところから始まった。そして、床に投影されたプロジェクションと互いに作用しながら動くことでダンサーが自分の影に命を吹き込み、変化を遂げていく。 身体、音楽、映像の三つの要素が完璧なバランスで融合され、詩的な水の世界から調教師とライオンの対決を連想させるような動き、または自分自身との戦いとも思える課程を経て、ブラックホールの世界へと移っていく。 多少のテクニカルトラブルがあったようだが、完璧な連続性が保たれていて、変化をし続けながら立体的な現実世界が形成されていく。最終的にその現実とは、わずかな音や視覚情報に反応してしまう私たちの日常であることがわかった。
※一部を抜粋して和訳しています。記事全文は下記からご覧いただけます。
http://www.sorstu.ca/resonances-virtuelles-visions-futuristes-de-lhumanite-chez-tangente/
２）Les Meconnus.net .2017年4月30日
《 Re´sonances virtuelles 》: le co^te´ trash de la technologie Nathan Giroux氏評
公演の第一部 私たちは北村明子とNavid NavabによるTranSensesが上演される会場に移動しました。余談ですが、私は移動中にチケットを落としてしまい、下手すれば入れなかったかもしれません。
TranSenses−北村明子、Navid Navab
大きな空間をイメージしてみてください。中心には一人のダンサー、ダンサーの動きにリアルタイムで反応する電子音響、床にはインタラクティブな映像が投影されています。その三つのメディアが作品を通して融合していました。
とても説得力のある作品でした。特に音楽に関して（私は音楽に関しては詳しいので）はそう思いました。音は動きの加速などに比例していて、音と動きのフィードバック関係が常に保たれていました。
私たちは風、水、繰り返されるベース音、聞こえては消えてゆくという循環を永遠に繰り返す囁きなど様々な音質に触れることができました。
ダンサーは流れ星が一面に広がるかのような空間で踊ったり、ブラックホールに飲み込まれたり、水中にある夢幻の世界への往来を果たしていました。ダンサーの身体に投影される直線はあたかも地形図でもあるかのように思えました。
私はダンスのテクニックに関して語れるほどの知識はありませんが、ダンスを研究している同僚から休憩中に話を聞いたところ、「何かから影響されて生じる動きと衝動的な動きの探求のように見えた。」と語っていました。
※一部を抜粋して和訳しています。記事全文は下記からご覧いただけます。 http://lesmeconnus.net/resonances-virtuelles-tangente-danse-critique/
3) Sur les pas du spectateur 2017年4月30日
“Sur mes pas en danse: des "Re´sonances virtuelles" toutes aussi re´elles que de´routantes” Robert St. 氏評
今晩の公演は良いスタートを切って始まりました。北村明子（ダンサー）とNavid NavabによるTranSensesは会場内での上演だった為、私たちは移動を促され会場に入りました。作品中の私の状態を説明するとしたら、「魅了された」というのが正しいかと思います。プログラムには、「知覚できる現象を超えて、形而上学的な想像への探求」とありました。作品ではダンサーが自分の周りにある仮想環境と対話することで素晴らしい音と映像が生まれ、私はただ魅了されるばかりでした。身体の動きは美しく、センサーによって拾われステージに音や映像として反響することで、強調されて見えていました。実のところ、私はこのダンサーとならば宇宙の果てまで行くということも受け入れると思います。彼女は拍手のために戻ることもなく去って行きました。まるで、仮想の存在だったかのように。神秘的な存在であるかのように。
※一部を抜粋して和訳しています。記事全文は下記からご覧いただけます。
http://surlespasduspectateur.blogspot.jp/2017/04/sur-mes-pas-en-danse-des-resonances.html
'To Belong / Suwung'
◆『ダンスマガジン』（新書館）2015年１月号
日本のコンテンポラリーダンスの歴史二十数年のなかで海外とのコラボレーションは決して少なくないが、『To Belong』ほどの充実と広がりを見せたことがあるだろうか。インドネシアの歌謡と伝統的な身体性が、日本のコンテンポラリーの手法と無理なく融合し、アジアならではの時空が浮かび上がる。自己のオリエンタリズムに陥ることなく、イメージを幾重にも広げてくれる舞台。これはコンテンポラリーダンスがようやく辿りついた至高の収穫である。
（石井達朗「Dance New Air2014――ダンスの明日 辿りついた至高の収穫」）
◆シアターアーツ
「アジアの再発見と自己の再発見 北村明子『To Belong / Suwung』」
西田留美可
http://theatrearts.aict-iatc.jp/201410/2133/
◆チャコット
「著しい進境を見せたインドネシアと日本のコラボレーション「To Belong project」
佐々木三重子
http://www.chacott-jp.com/magazine/world-report/from-tokyo/tokyo1411f.html
◆Detik Hot 批評
'To Belong / Suwung' 公演：身体の対話
著：Is Mujiarso
2014年12月14日（水）
ジャカルタ
国際的な活動を続ける振付家、北村明子は新たなるクリエイションを追求するため、2011年にインドネシアを訪れた。北村は「コンテンポラリー・ダンスにおけるアジア人の身体（表現力）」を研究していた。ソロとジョグジャで出会った芸術家たちは、独特な伝統芸能に根差し、深く丁寧な継続的な交流から生まれる作品創作を行なった。
ソロでは影絵師スラマット・グンドノとの出会いを通し、人形使いの技法を研究。また文化に根付き継承されてきた音楽を演奏する多彩な歌手エンダ・ララスからも多く習得した。ジョグジャカルタではモハマッド・マルズキやKill the DJの作風に魅了され、ヒップホップをジャワの伝統と哲学に取り入れる。
このような出会いを基に様々な研究の成果をコラボレーション作品として製作。他にはテアトル・ガラシの芸術監督ユディ・タジュディンを招聘し、コラボレーションのパートナーとして作品作りに携わる。その成果がダンスに様々な要素を取り入れた本公演、『To Belong / Suwung』 。2013年11月に長野で初演され、翌年3月にシンガポールで再演、同年10月には東京の国際ダンス・フェスティバル「ダンス・ニュー・エア」でも上演された。
2014年末、待ちわびたインドネシアの聴衆にこの特別な公演を観る機会が訪れた。当初、『To Belong / Suwung』のインドネシア公演予定は無かったが幸いにも見逃せない機会が訪れた。それも、北村明子がジャカルタでオペラ・シアター『ガンダリ』を手がける事になり（シアター・ジャカルタにて、12月12・13日）演出をユディ・タジュディンが手がけ、 『To Belong / Suwung』のダンサー達も出演する事になったからだ。ダンサーは３名のインドネシア人と日本人３名で構成。この様に主要メンバーが集まった事で 『To Belong / Suwung』 をジャカルタで上演する機会に繋がった。
『To Belong / Suwung』はとても贅沢な作品構成である。限られた舞台上のスペースにはカーテンの様な幕が吊られ、時には映像が映し出されるスクリーンともなる。冒頭ではスラマット・グンドノが彼特有のスタイルで歌う映像が映し出された。手にはウクレレを持ち、バニュマス地方の方言で語る。その後、同じような小さなギターを手にしたエンダ・ララスが登場する。次々と現れるダンサーの動きに合わせてララスが歌う。始めは３人の日本人の動きに対してソロとジョグジャカルタ出身の３人のインドネシア人が動くが、それはまるで会話をしようと、お互いを理解しようとしているかのように捉えられる。距離を保ち、互いの異なる動きに反応するなか、徐々に６名の動きが合わさり、相手に反応する仕草に変わっていく。そこには日本とインドネシアの武術が取り入れられ、二つの異なる文化から生まれた踊りは言葉を用いない会話となり、ダイナミックでエネルギーに溢れる。
森永泰弘がプロデュースした音楽には様々なフィールド・レコーディングが取り入れられ、スラマット・グンドノの語りや、ジャワのモハメッド・マルツキのヒップホップなどが含まれる。ある場面ではまるで踊り手達の身体の合間をスラマットの声が埋め尽くすような現象が起きる。影絵師は巨人が葉の上の雫で喉を潤わす事が出来ない事に対するもどかしさ、怒りを表し、一滴の露に対する自身の無能力と小ささを語る。その後、スラマットの声はマルツキの、魂が寄り添う”神聖さを失わない”身体を語る歌に繋がっていく。 このスラマットからマルツキへのトランジションは驚くほど自然であり、全ての要素、動き、歌、そしてアニメーションなどの映像が自然に交合う。
このような様々な要素が取り合わされた作品では、関連性が無い他人同士が集まったかのように思える事もあるが、それをスラマット・グンドノが元締めとなり重要な役割を担う。残念ながらそのスラマットは2013年に亡くなった。この独創的で素晴らしいコラボレーションはスラマットに捧げるべき作品であり、そのため今回のインドネシアでの公演には特別な意味合いがある。朗報はジャカルタでの２公演に続き、『To Belong / Suwung』はその生まれの土地、ソロでも上演される。ジャカルタではゲーテ・インスティチュートで上演中、残すところ今夜１２月１７日（水）２０時から無料公演がある。ソロではISI劇場で１２月２０日（土）に上演。
本作品はスラマット・グンドノが関わった最後の国際的な芸術作品となった。生前最後に作曲した歌は本作品の中で重要な役割を果たし、またインドネシアでは初めて披露される。『To Belong / Suwung』の公演はスラマットへのオマージュとして、彼の国際的な芸術界とインドネシアの芸術への貢献と実績をたたえる作品となる。
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執筆 Novani Nugrahani
これは、人形遣い師であるスラマット・グンドノから生み出された物語の一部であり、現に彼は”To Belong”のオープニングにその物語の創造者として登場する。 ダンス作品“To Belong”は2012年4月28日にジャカルタ サリハラ劇場で上演された。日本のダンサー、振付家である北村明子は、スラマット・グンドノの人生の物語を映像、音楽、マーシャル・アーツ、ダンスの形式へと翻訳することを試み、この人形遣い師を作品の背景に置く。プンチャック・シラットとジャワ伝統舞踊を融合させる、というこのような極めて稀な要素の結びつきは、決してシンプルではない。冒頭から、観客は、荒々しいダンサーたちによって、素早く、破壊的で、時には、激しく衝突し合うような動きを見せられることになる。 グンドノの人生の物語は愛と消失のジレンマに満ち、それは、彼の言葉と時折挿入される、ジャワスタイルの歌によって披露される。 グンドノは言語上の壁を打ち破り、彼の母が最後の時を迎え、家族がその生命をあきらめるまでの物語を語り続ける。その物語のメランコリックな要素や彼の母への愛の感情は、4人のダンサー（マルチナス・ミロト、リアント、三東瑠璃、北村明子）によって翻訳されていく。 北村は英語で動きの説明をし、リアントはインドネシア語で、三東は日本語で、ミロトはジャワなまりの英語で、対話を続けていく。 動きは、説明や、視覚的効果、芸術的で錯綜した無限の社会的な衝突をほのめかしている。衝突とは、グンドノが、彼の母を失う時に経験した、感情的なものでもある。 石川慶は、芸術的視覚的な作品で舞台上を完成させている。冒頭では、ピンク・フロイドのアルバム”The Wall”を筆者に彷彿させた。森永泰弘が音楽と自然、他、彼が東南アジアで採集したあらゆる音の素材を結合させたサウンドで、観客の耳をノックアウトし虜にした。 “To Belong”は想像力に満ちている。ダンス、演劇、パフォーマンスというだけではない。北村明子は、芸術のコミュニティーを提示し、そして、伝統的な舞踊と武術、映像、音楽、影絵へのオーディオ・ゲーム的な挑戦を共存させた。
Koran Tempo-To Belong 2012年４月２９日
“Koreograhi Cinta dan Kehilangan 愛と喪失の踊り”
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（NUNUY NURHAYATI記）
長い4枚の白布が並べられ、一つの大きなスクリーンを作り出す。このスクリーンに映し出されるのは、小さな青いギターを手にする大きな体の芸術家、スラマット・グンドノである。その姿はゆっくりと色のないスケッチへと変わっていく。アニメーションとなったグンドノの頭が徐々に大写し(アップ)となる。頭が開かれ、そこから人の形が４つ飛び出してくる。 そしてスクリーンの映像は消える。舞台に並べられていた主のない4つの椅子全てには今、人が居る。うち2つの椅子には、日本からやってきた著名な振付家とダンサー、北村明子と三東瑠璃が座っている。残りの2つに座るのはインドネシア舞踊の芸術家、マルチナス・ミロトとリアントである。彼らはしばしば海外でも作品を上演している。2つの異なるバックグラウンドをもつ彼ら4人のダンサーは、それぞれの椅子に座り、ただじっと黙っている。彼らは再びスクリーンに映し出された実写映像のグンドノが語る話を聞いている。 庭の真ん中で、自身が小さかった頃の母との思い出をグンドノは語る。母の名前はソインダップ。彼女は子供たちへの愛情細やかな女性であった。毎夜、グンドノとその兄弟たちが寝る前にお伽話を話し聞かせた。哀しいことにある日、母は浴室で倒れ寝たきりとなってしまう。何年も何年もグンドノと家族は彼女を介護し、最後に母は神に召されて旅立った。 スラマット・グンドノが話す喪失の物語は、北村、三東、リアントそしてミロトそれぞれに、愛する存在の喪失を思い出させた。ミロトとリアントは自分たちの踊りの才能を心から応援してくれた亡き母を思い、北村は3年前に癌で他界した父を思う。そして三東は、最愛の猫テトの死で感じた喪失を語る。 2012年4月27,28日にジャカルタのパサール・ミングゥにあるサリハラ劇場で上演されたダンス作品To Belongを終始貫くのが、この愛と喪失である。この感情と内に仕舞っていた思い出は、言葉と動きでのみ表現されるのではない。重なる動きを通してもまた語られる。最近3年間における北村明子の最新作がTo Belongである。
SINDO WEEKLY
“異文化の身体の出会い
北村はアジアの色を提示する。身体に束縛されない独自性。身体を通した対話に誘う観客の想像力をかきたてる。
2012年4月27,28日にPasarMinggu(パサール・ミングゥ)で上演されたインドネシア・日本 国際共同制作企画「To Belong」について語るには、広い紙面が必要だ。日本的な感覚とジャワ的な伝統を結合させ、マルチメディア芸術となった最新技術で観客に多様な解釈を与えたのが北村明子である。
本作「To Belong」は、スウェーデンの作家Stig Dagermanの短編作品「A Thousand Year with The Lord」に対する北村の視覚的解釈に着想の元がある。舞台に白い幕を垂らし、プロジェクターから映像を映し出す導入部（イントロ）。様々な声が入り乱れ、忙しくも騒々しいオペレーターの様子が映像で10分ほど流れる。
その後、ウクレレを抱えたスラマット・グンドノのアニメーション映像に切り替わる。グンドノの頭にはジッパーがあり、それを開けると沢山の影が飛び出してくる。これらの影はそれぞれに4つの場所を求め、異なった形を作り出していく。影たちが作り出していく形は4人の人間へと変化する。この4人が日本人である北村明子と三東瑠璃、そしてインドネシア人であるマルチナス・ミロトとリアントである。
既に知られているように、スラマット・グンドノは現代の問題を皮肉たっぷりに、しかし対立を煽ることなく、ワヤンを題材にした手法で大衆に伝える“太っちょさん”である。本公演において、グンドノはグンドノ自身として、彼の母Soindapに関する話とともに映し出されている。そして、4人の踊り手(ダンサー)もそれぞれに自身の生い立ちを語る。
約60分に渡る本公演は体の動きで満ちている。そしてそれは、音楽、ライトニング、映像、デジタル技術、音声が重なりつつも惹きつけられる4人それぞれの一人語りと融合している。踊り手(ダンサー)の姿が再び影となり、アニメーションで映し出されたスラマット・グンドノの頭の中に戻ることで、このマルチメディア作品は終幕する。
1970年に東京で北村は生まれた。幼少期からバレエを学び、ストリートダンスを経て、早稲田大学文学研究科を卒業。1994年にLeni-Bassoを結成し、1995年文化庁派遣在外研修員として1年間、ドイツのベルリンに留学している。2001年にはBates Dance Festival（USA）に招かれて「Finks」を創作した。これは後に世界各地で60回を超えて上演される作品となる。
2003年のAmerican Dance Festival（USA）で国際振付委嘱プログラムとして「Enact Oneself」を創作し、本作品がノース・カロライナ州のダンス・オブ・ザ・イヤーに選ばれた。2005年にはフィラデルフィアのGroup Motion Dance Companyに「Rondo」を振付し、ベルリンのHaus der kulturen der Welt(世界文化の家)からの委託により「Ghostly Round」を創作した。2007年には、「Blind Trip｣をSKIN PROJECT の一環としてバーミンガムのACE dance&music（UK）へ振付し、イギリス国内20都市以上で上演した。
2001年カンヌ映画祭国際批評家連盟賞を受賞した黒沢清監督の作品「回路」「大いなる幻影」では、役者として出演している。北村は教鞭も取り、2001年以来長野県にある信州大学人文学部の准教授を務めている。「To Belong」公演においては、創作スタッフとして映像作家である石川慶とサウンドデザイナーである森永泰弘を迎えた。石川と森永は両名ともに、本公演において役目を果たしている。
Sjafrial Arifin
SINDO WEEKLY
身体感覚の対話
「To Belong」に出演している芸術家たちは、それぞれの文化の源流から湧き上がる身体表現の出会いを芸術として提示する。西洋の呼吸を拒絶した北村は、公演でその身体をよじる時に自身の日本的なるものと可視的に向き合う。 西洋とアジアを同時に扱うことを試みる北村は、スラマット・グンドノと遭遇する。
この作品は単にマルチメディアなのではなく、独特の語りとも融合している。それは英語の字幕であり、インドネシア語とジャワ語のナレーションである。これは舞台にある幕に映し出されるワヤン・クリ
を伴う。現代的な公演であると同時にまた伝統的でもある。コンテンポラリーの特徴としての技術を備え、シラットと現代舞踊から湧き出る身体動作と身体感覚を融合する。これが身体感覚の対話を成功させている。
話を表現するにあたり、日本人の振付家と踊り手は非常に素早くまた複雑に断片化された動きをする。にもかかわらず大変驚いたことに、ゆったりとしたジャワ的な動きへの探求がそれに融合する。読者諸兄に伝えなければならないのは、ここに一つの踊りが誕生したことである。そしてそれは、我々が現代アジア舞踊を現在のコンテンポラリーアートとして認めたということである。
同時に、北村には目に映る身体だけに束縛されない独自性を持つ印象がある。彼女はただ単に踊りを他の芸術と混ぜ合わせたのではなく、観客が当事者となれるように近づいたのである。日常が芸術に刺激された想像力で舞い上がり、また抽象的な幻想を紡ぎだす。北村はまるで、伝統の源流を失うことなく、そしてよりグローバルな踊りの定義を追い求めているようだ。こうして彼女は観客を2つの極が出会う対話に誘うのである。
ビデオオペラ"KAIRO"の舞台評 カイエ・デュ・シネマ 2010年1月
”ファントム・ダンサー”
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舞台）ヴァレンシエンヌ。アール・ゾイドが『回路』を「話すオペラ」として上演
し、2000年代もっとも美しい幽霊が踊る。 ファントム・ダンサー
黒沢清のフランスツアーは、ナント（3大陸回顧フェスティバル）、パリ（国立映画学校の学生との二日間の対話）を経て、12月11日ヴァレンシエンヌで幕を閉じたが、そこで黒沢はアール・ゾイドの作品『回路』の初演に姿を見せた。『回路』は、映画のリメイク版ではなく、アール・ゾイドのリーダー、ジェラール・ウルベットが、黒沢が自らのシナリオから書き直した小説をもとにして生み出した「話すオペラ」である。アール・ゾイドは70年代のプログレッシブ・ロック・シーンに登場し、多くのシネ・コンサート（『ノスフェラトゥ』など）を行った。たしかに、楽曲は古臭さを感じさせ（back from the 80’sシンセサイザー）、「話す」場面はいささかその場しのぎではあるが、この作品の価値は、北村明子の存在にこそある。彼女のはかなげなシルエットはすでに、映画『回路』の中で、黒沢作品のもっとも驚くべき幽霊のひとつを具現化している。その登場シーンは、暗い部屋の奥から彼女が何とも名状しがたい足取りで、恐怖に固まった若い男の方へと歩み寄り、男の方は愚かにもソファの後ろに逃げ、身動きがとれなくなってしまう、というものだ。今回、黒沢監督自身から、この作品の企画者に、ヴァレンシエンヌのフェニックス国立劇場の舞台にこのダンサーを呼んではどうかと提案があったということである。（この舞台作品に対する監督からの唯一の助言だった。）上演にあたって、北村は『回路』における常識外れの動きに大幅な変更を加えることなく、映画の中でつくりあげた世界をもとに振り付けをおこなった。すなわち、黒いゆったりとした衣装は死の象徴であり、踊り手は、盲目の亡霊のような、死体をではなく生者を嗅ぎつける敏捷なモグラのような動きで移動してきて、突然崩れ落ちる。どこからか現れて突き出され、理由もなく硬直するただ一本の脚によって異常な位置で凝縮する身体―「死」の舞踏の踊り手はやさしく、病んでいる。
パンダグラフのダンス
上演期間中の会見で、北村明子は、宮崎駿アニメのキャラクターのような微笑みを見せながら、自らのダンス歴について語ってくれた。クラシック・バレエ、ジャズ・ダンス、舞踏、あこがれの対象（マイケル・ジャクソン、フォーサイス、ケースマイケル、ピナ・バウシュ…）―彼らのおかげで、北村は1994年、24歳で自らのカンパニー、レニ・バッソを立ち上げた。黒沢監督自身、彼女の舞台を見て、映画の中で幽霊を演じてもらおうと思いついたのだった。その機会は2001年の『回路』における有名なシーンで実現する。北村によれば、黒沢監督は、ラフスケッチを送ってきて、電車のパンタグラフから腕の動きをつくるのはどうかと提案してきたそうである。ちょうどこんな風に：＜＞。その時から、遅々とした、険しい作業はバランスを失っていく。北村明子は、この場面の動きを撮影中のかなり長い間、いっしょにチェックする黒沢監督からダメ出しされて修正しながら繰り返した。彼女はもう、幽霊が急につまづいて、よろめくというアイディアがどこから来たか思い出せない。というのも、この恐ろしくも異常なダンスの探究の間、幽霊は転んでしまわず、前に進み続けたからだ。北村によればそれは監督から出た思いつきだということだが、監督によればそれは彼女の方からだったという。ヴァレンシエンヌで北村は振り付けの基本的な要素、あのパンタグラフの＜＞は崩していない。彼女はそれをしばしばとぎれとぎれにし、どもらせ、映画から引き出される概念を再び投げ返す。すなわち、おそらく死もまた、コンピューターのバグのような煩わしい形をしているのだと。
ジャン・フィリップ・テセ
カイエ・デュ・シネマ2010年1月
Review "KAIRO".
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Ghostly Round
完璧なる混沌 BERLINER MORGENPOST紙 (ドイツ、2005)
レニ・バッソはそのゴージャスな”Finks”のときには、もう国際的な話題のグループだった。"Ghostly Round"は、フォルムの生成、あらゆる回転のフォルム、儀式化されたストーリーを扱っている。ダンサーたちは、厳格な儀式を打ち破るかのように、繰り返し混沌を呼び起こす。これは完璧に演出された混沌だ。というのもこの70分の力作で、偶然に任されているものは何一つとしてないのである。それは尊敬と感嘆に値する。また、洗練され、決して押し付けがましくないビデオ・テクニックの投入も同様だ。ここでは全体を頭で理解する必要はない。北村明子はその創作においてダンスそれ自体が目的であるとしており、その彼女がいかなる解読の試みも頑なに拒んでいるからだ。観客はこの目まぐるしく錯綜する動きに身を任せればいい。舞台上の幽霊のような姿たちが繰り広げる共存と対立、無関心と接近、強制と自由といった関係性を、もちろん世界という総体と関連付けることはできる。そのように見ると、レニ・バッソはフェスティバルのテーマへ、ある意味で理想的な形で導入してくれているのだと言えよう。簡単なことではないが、それも当然、世界も一筋縄ではいかないのだから。
儀式の錯綜の中で BERLINER ZEITUNG紙 (ドイツ、2005)
"Ghostly Round"は、白昼夢のような、瞑想的な作品だ。これに先立つ作品群では、北村明子は過剰なほどの機材を用意し、ヴァーチャルな世界で戯れてみせた。この世界に対して身体は自らを主張しながら、そのなかに取り込まれて消失していた。伝説的なパフォーマンス集団ダムタイプの跡を辿っているという評判は、北村の最初のドイツ客演時、これらの作品によって生まれたものである。"Ghostly Round"では、人を驚かすためのテクニカルな技巧はことごとく削除されている。それに代わって、ダンスの本質に迫る、むしろ静かで深みのある作品が生まれた。これは、ダンスがいかに社会の規則やコードや儀式の裏をかいて無力化するかについて想像を巡らせた作品だ。北村のダンスのファンタジーは全般的に抽象的なトーンに抑えられている。この規律と混沌の緊張関係において、ダンスのもつ不可視の要素を用いた遊戯が行われている。もしくは、北村自身が言うように「ダンスとはパラサイトのようなもの」なのだ。
トランス状態のマシーン・ダンス TAGESSPIEGEL紙 (ドイツ、2005)
これは大都市のダンスである。東京のダンス・カンパニー、レニ・バッソはその作品“Ghostly Round”でほとんどコントロール不可能なダンス・ウィルスに感染したかのようだった。白い衣装をまとったダンサーたちが半円形の舞台に登場する。手を臍（丹田）のあたりに当てているが、それは力の源を意識しようとしているかのようだ。発作のようにダンスの衝動が彼らを襲う。時折彼らはせわしないロボットに変身する。“Ghostly Round”は抑制と表出の間を行き来する。振付家北村明子は、日本社会の矛盾を、身体をもって告知しているのだ。それは機械の内部を覗き込むかのような印象を残すものだった。
エレファントローズ
感度良好なめまいの気分 守山実花 Danza誌 (日本、2006)
音と映像そして生身の肉体をもったダンサーたち、この三者が舞台空間の中で交錯し、不思議な世界を織り上げていく。「エレファントローズ、それは、めまいが歩くことの不可思議さを思い出させていく誘導装置」とは、チラシに書かれていたフレーズだが、なるほど次第にめまいを感じ、ふわふわと宙を舞うような、摩訶不思議な感覚に襲われていく。エレファントローズとは、観る者の中に眠っていた身体意識を揺り起こし、空間の中に投げ出し、浮遊させる装置のようである。冒頭では呼吸、それも息をしぼりだすような音がダンサーたちから発せられる。そもそも我々はそれと意識することなく呼吸という行為を行っているわけだが、執拗にダンサーたちの呼吸を聞かされると、嫌でも自分の呼吸を意識せざるを得ない。振付家、北村明子はストイックに身体感覚を追求していく。が、それは決してダンサーのためだけのものではない。観る者が身体出何かを感じる作品だった。
多層化された多彩な切り口 門行人 オン・ステージ新聞 (日本、2006)
北村明子と言えば、モノトーンの衣装と切っ先鋭い高速の動きが特徴で、禁欲的、無性的、無機的といった単語を連想させる振付家だ。この作品でも、ビデオアートのように、寸断してはブルブル震えるといった硬質の動きが見られ、魔的なまでのその魅力に変りはない。しかし、この作品では北村の新たな試みを見ることもできる。ほぼ暗闇の中で生き物の根源である呼吸の音が呼び交わされるさまは、夜中のジャングルのように野生の力を感じさせる。生身の肉体を意識させる要素の導入により、パフォーマーは一人の男性や女性として取り戻され、観客も禁欲的な態度から解放されて、多層化された作品の好きな部分を楽しめるようになった。
Finks
傑作の誕生 ダンスマガジン (2002) Writer: 尼ヶ崎彬
Leni-Bassoの「Finks」は、高い緊張感が最後まで途切れない。これは驚くべきことだ。物語などで観客を虚構の世界に巻き込んだ上で手に汗を握らせるのは難しいことではない。しかし北村明子はそういう品のないやりかたをしない。観客の舞台への同化や感情移入を拒否するという現代的な方法を選ぶ。これで目の離せない関心と息詰まる緊張を持続させるのは至難である。北村は独自の手法を開発してこれを追及してきた。「Finks」はその完成形であるといえる。普通のダンスが美しいポーズと流麗な動きとを振り付けの要素にしているとすれば、北村は動き出そうとする構えと中断される動きを要素にしている。構えは動きへの期待によって緊張をもたらし、中断は期待を阻止されることで緊張をもたらす。もっともこれを下手なダンサーがやれば退屈なだけだ。なんでもない所作がちょっとした力の入れ方の緩急だけでダンスになってゆくLeni-Bassoのダンサーのレベルはきわめて高い。映像・照明・音楽も北村の要求に応えていずれも水準が高い。舞台には余計な気分や感情が生じないよう配慮されている。色彩もメロディーも避けられ、明部と暗部の対比、音と沈黙との対比から空間と時間がレイアウトされていく。ダンサーは空間を横切るときも縦か横か斜め45度の方向に歩く。感傷や快楽を排して研ぎ澄まされた舞台は真剣勝負を見ているような緊迫感を放射する。傑作の誕生と言っていい。
NEW YORK TIMES紙 (USA, 2001)
北村明子は武術的な仕草をダンスにおける劇的な出会いへと見事に様式化してみせた。ダンサーたちがパートナーに対して驚くほどの近距離から繰り返ししかけていく武術的な攻撃の仕草を特徴とするが、しかしそれらは極めて優美で滑らかであり、それらの本来の形からは驚くほど異なったものに変形されている。日本の現代ダンスはもはやマース・カニングハムのコピーであることをやめたのだ
VOLKSKRANT紙 (オランダ, 2001)
北村は魅惑的かつ不可思議な世界を見事に作り出した 。
BALLET TANZ誌 (ドイツ, 2001) Writer: Akiko Tachiki
「Finks」は、北村明子の才能を見事にみせつけた！
フル(ダ)ブル
異なる響きが共鳴しあう魅力的なポリフォニー月間バレエ(2002)
Writer: 村山久美子
これまで女性のダンサーたちとの共演で作品を発表することが多かった北村明子が、今回は、３人の男性舞踊手を交えての作品創作を行った。彼女の振付は元来、筋肉を十分に使う屈伸を駆使したパワフルなものであるが、それを男性が踊ることによって、舞台には強烈なパワーが炸裂した。シーンは「誘惑」のテーマに則した３つのシーンに分けられているようで、たとえばそのひとつには、動きを始めたくても阻止されて動けず枷をはずすかのように、体を力強く揺することで踊りを作り上げている。通常、訓練されたダンサーが身体を自在に動かせることを誇る舞踊舞台芸術の舞台で、動けない不自由さを見ることは新鮮である。しかも、高い能力をもったダンサーがそのような動きを踊ると、不自由そうにデフォルメされたフォルムが美しく輝く。特に力強い男性ダンサーによってそれが表現された時には、緊迫感が高まった。これまで、北村の素晴らしい弾力性をもつ踊りについ目を奪われがちだったが、今回は個性の異なるダンサーたちの味わいがうまくミックスされ、そのポリフォニックな響きが魅力的だった。
bittersidewinder
皮膚に切り傷 月間テアトロ (1999) Writer: 長谷部浩
レニ・バッソの『bittersidewinder』に飛び抜けた力を感じた。ここでは表現が自分自身を傷つけるぎりぎりの地点で成立している。グローブ座の空間は、必ずしもダンスに適しているとはいえない。北村は一階の客席を黒い布で覆ってしまった。観客は、二階、三階から黒い面の中に浮かび上がる舞台を見下ろすことになる。この操作によって、演じるものがいかにお互いに干渉し、衝突し、離散していくか、距離とエネルギーの関係がありのままに目に映る。そこではひととひととの肉体的な接触は周到に避けられ、あくまで自分自身に向けた表現の切っ先が、結果として他者に圧力をかけていく生のありかたが切実に伝わってきた。ある部分では、ステージ上に照明で面が切り取られ、そこにはさまざまなことばが映し出されていく、背景にことばがあるのではない。人がよって立つ地に、ことばが一瞬、投影されては消えていくのである。北村の振付は、そこで皮膚の上にかすかな切り傷を刻みつける。皮膚一枚だけをよぎっていくような表現のありかた。赤い血がかすかににじむが、多量の血液が流れ出すことはない。私たちは、ことばによって多くのかすり傷を負いながら日々の生活を営んでいる。負うばかりではない。ひとに傷を負わせている。ことばという刃が、いかに毎日を送る上で負荷のみなもとになっているかを突きつけられたように思った。北村の振付に認められるのは、つまさき立ちで世界にむかって心を開き、やがて固有の文法を贈与していくトランスナショナルな表現が立ち上がっている。彼女はただ漂っているような生を自分自身に許してはいない。頬に傷をうけながら夙にむかって一歩を踏み出している。
下北沢通信 (1999) Writer: 中西 理
レニ・バッソ「bittersidewinder」はカッコよさを追求したダンスとしては日本で希有なものだったと思う。中でも後半、舞台手前の長方形に区切られたスポット光の中でひとりのダンサーがくねくねと身体をくねらせるように踊りだし、その後、舞台の正面客席から見て遠い方向にもうひとつの光の長方形ができてここで北村明子自身がやはりソロで踊りだす。これ以降の次第に音も光も速度を増すようにダンサーも旋回とジャンプの動きに激しさを増して、音楽のドライブ感に同期するように一気にクライマックスに突き進んでいく。この約20分ほどのダンスは圧巻であったと思う。この舞台については思想のないダム・タイプという評がネット上であったが、ことレニ・バッソに関していえば、思想などは必要ない。純粋に個々のダンサーの動きと群舞におけるフォーメーションの変化に還元できる、そして更にいうならそうしたダンスの要素が照明、音楽とコラボレーション的にかかわりあいながら展開し、テーマのようないわば夾雑物を一切排除するところに北村明子特有のダンスの世界があると思うし、そこが私がこのカンパニーを評価するところなのである。 この作品の後半は、刺激的なダンスであり、現代の日本を感じさせる表現でもあった。ここではドライブ感のある江村桂悟の音楽、北村明子の振付、関口祐二の照明が相乗効果をあげて見事な成果を出していた。ここにこそレニ・バッソの可能性はあるし、より、ムーブメントに鋭さとドライブ感を加えて、ハイテク時代のローザスを目指してほしいのである。
月間バレエ (2001) Writer: 武藤大祐
二人の登場人物がイスに座ると、どこからともなくインタビュアーの声。「自己紹介を」「好きな食べ物は？」・・・返事のかわりに机の上のパネルをたたく。すると「う〜ん」だの「こんにちは」だの、噛み合わない答えがトンチンカンにかえってくる。パネルが発する壊れた会話がやがて電子ピアノの音にかわり、パネルをたたくふたりの行為が音楽の演奏へとシフトすれば、それがそのままダンスになっている北村。右に伸びる左腕、その下をくぐる右腕の、打鍵とその軌跡の美しさ。リズムにのって楽しく音を鳴らすことはダンスである。そしてイスから立ち上がった北村の踊りは圧巻の一語に尽きる。左右の直線移動を基礎にして、カミソリのように鋭く速く正確に踊りまくった。時々フィルムがつっかえたようなク・クッというブレがちりばめられ、方向や角度をもてあそぶフェイントも心憎いまでにキマる。さらに後半は粟津の生ドラムが加わり、眼から耳から観客を煽りまくった。大興奮、大満足。これぞプロの仕事、と言いたい。
ダンスマガジン (1999) Writer: 貫成人
北村明子の『Slowly, Slow for Drive』は、照明や映像を巧みに使って、ダンスの強度を高めることに成功している。舞台に３つ、光の長方形。その中に横たわる三人のダンサー。彼らは、ゆっくり動きだし、やがて群舞に移行する。その動きを切断し、細分化する光や文字。danger、independenceなどは、メッセージを伝える語ではなく、文字にすぎない。ダンサーの横たわった身体に書物の一ページが高速でスクロールされ、重ね映しにされたいくつものページが舞台中央に蝟集する。精神の営為や失われた過去を保存し、墓に刻まれて死を逆照射する「文字というもの」は、踊る身体の対極である。「死の静寂」「埃くさい図書館」を蹴散らすように展開される後半。動きの軸やリズムとの調和を巧みにずらして加速する、オフビートのグルーヴ感にみちたソロと群舞は爆発的だ。観客は、ダンサーの喜びまで感じとる。
北村明子／レニ・バッソ
黒沢 清［映画監督］
北村明子のダンスを見て、いつも驚愕のうちに思うのは「これは人間ではない」ということだ。世界と相対する存在、ここに至ってしまった存在のことを、私なら怪物と呼ぼう。我々はその怪物の前で、一挙手一投足にただ脅えひれ伏すことしかできない。
ダンスマガジン 「コレオグラファーカタログ５０」
北村の本領は、額縁舞台で身体だけに頼ったダンスを見せることではない。むしろ舞台と客席との落差を取り払い、音や光や映像が劇場空間を満たし、ダンスと他の要素とが交錯し混交するようなものを目指している。五感のすべてに演出を仕掛けていく北村の作品は、芸術の境界が曖昧になり、ダンスの定義が書き直されようとしている現代の、ひとつの方向を示すものだろう。